- 瀬戸染付焼のどのような要素に魅力を感じましたか？
一言で表すと「しなやかさ」。様々な形、表情へと変化し得るからこそ、長く続いてきたのだと感じました。
器、タイル、染み込ませる技法、手仕事による藍色の“ダミ”、白地に呉須（藍）で描かれる繊細な表現。それだけでも多様な表情があります。 今回瀬戸を訪れる中で、これらの要素を無理に統一しようとするのではなく、多くの要素が同時に見えるものにすべきだと感じました。
結果として、彫刻作品のような形態を目指すのではなく、自分にとっての日常と、眞窯さんにとっての日常を組み合わせる方向へと意識が向いたように思います。 (それが真雪さんの過去の茶器や、普段私のアトリエに置いている木工の椅子を用いることなどに繋がっていたのではないかと考えています。)
- 繊細な手仕事で成り立つ瀬戸染付焼に、ご自身のアイデアや感性を吹き込むことは、どのような感覚でしたか？
瀬戸染付焼の背後にある、プロセスや技法の豊かさが興味深く、それを引き出し、魅力がより多くの人へ伝わる状態をつくること、それが今回の基軸のひとつでした。通常、博物館や店舗には統一された完成品が並びます。今回は、その背後にある豊かさ、つまりしなやかさを同時に感じられるものにするという点で、新鮮な試みでした。
- 染め付けや藍（呉須）、焼成といった瀬戸染付焼ならではの技法の中で、ご自身に最も影響を与え、心を奪われた要素は何でしたか？
すべてが絡み合っていることが、最も素晴らしいと感じました。その土地でしか採れない土や水、呉須、そして焼成のために必要だった木。環境そのものが技法、形態、人を同時に支えています。 その地層の上で、人が見出し、真雪さんやご両親が手を動かしてつくられてきたこと。それらが一つに繋がっているように見えたことが最も魅力的でした。
- 加藤真雪氏とのコラボレーションを通じて、制作におけるスケールや反復性といった特性について、新たな考え方は生まれましたか？
しなやかさを持つということは、広がりを得ることであり、ゆえに続いていくことでもあるのだと思いました。 そのような感覚を持ちました。
- 本プロジェクトへの参画を経て、ご自身のアートや伝統工芸との対話は、今後どのように広がっていくと感じていますか？
やはり日常の中にあるという点が最も興味深く、今回は当初から、アートピースにしようとすることよりも、この技術の潜在性を伝えることができればという思いがありました。 また、多くの対話と眞窯さんのご尽力の中で、新しい技法の断片や可能性も垣間見え、また長い時間をかけて、こうした対話が続いていくとよいと感じています。
寒川裕⼈（ユージーン・スタジオ） (@the-eugene-studio.com)
［Questions by Maria Cristina Didero］